Das Museum in der neuesten Ausstellung von FIT ist ein Paradies auf Erden

Das Banner kündigt die Ausstellungslinie in der 27th Street in Manhattan an, aber die wenigsten Besucher des FIT-Museums können sich auf das vorbereiten, was sie in „Charming: A Rose in Fashion“ erwartet.
„Charming: A Rose in Fashion“ ist die erste Ausstellung nach der Schließung der Institution. Die Ausstellung ist am 6. August kostenlos geöffnet und dauert bis zum 12. November.
Das von der Wand bis zum Boden reichende Schild in der Lobby ist mit Rosenstängeln verziert und umgibt eine riesige Darstellung eines von mehr als 130 ausgestellten Objekten aus drei Jahrhunderten-V. Buso-Stilettos – und Weinranken um den Eingang der Ausstellung Die schmale Treppe impliziert ihre visuelle Größe und Eindringlichkeit, aber um die akademischen Ambitionen ihrer ungewöhnlichen Organisation zu schätzen, muss man sie betreten.
Die Ausstellung ist in zwei Galerien aufgeteilt. Zunächst einmal ein an einen geschlossenen Pavillon erinnernder Bau, der auf den langen Stielständen mit Rosenmotiven von verschiedenen internationalen Hutmachern und Modedesignern einen unter Kunstlicht blühenden Indoor-Garten schafft. Nach Angaben des Museums umfasst die Galerie auch mehr als 75 originale Fotoporträts von Menschen, die Rosen aus den 1850er bis 1920er Jahren trugen. Auf der Webseite der Ausstellung heißt es, dass „Studio- und Amateurfotografie immer zugänglicher wird“.
Die Hauptgalerie hebt die Inspiration der gleichnamigen Blume in der Kultivierungsumgebung auf eine neue Ebene. Die Wände sind mit sanften Rosen geschmückt, die Hintergrundmusik huldigt ihnen und der Gehweg wird von Gartenspalieren begrenzt. Der auffälligste Aspekt der Galerie ist die ungewöhnliche Art der Präsentation von Objekten. Sie sind nicht chronologisch geordnet. Stattdessen werden die einzelnen Farben gewidmeten Teile – Rot, Hellrosa und Weiß, Schwarz und der Rest „gemischt“ – und ihre entsprechenden kulturellen symbolischen Bedeutungen durch viele Informationstafeln in der Ausstellung ausführlich erklärt.
Der Geist der Ausstellung selbst ist gewissermaßen wie eine Rose. Handelt es sich bei den ausgestellten Objekten in erstaunlicher Vielfalt um Blumen, dann erfüllen die sie wie Stängel umgebenden Informationsmaterialien wichtige Funktionen, indem sie den historischen Hintergrund ihrer Existenz und die Intentionen des Designers, der sie geschaffen hat, aufzeigen.
Eines der ersten Zeichen, die in der Ausstellung zu sehen sind, zeigt, wie sie das Symbol der Rose als Linse nutzt, um die Gesellschaft zu untersuchen und zu kritisieren. Das Logo beschreibt die Ungleichheit in der Kunstblumenindustrie, die von den 1860er bis Anfang der 1960er Jahre in großen Modestädten bekannt war. In Paris ist dies ein Berufshandwerk durch Lehre, aber in New York und London werden fast durchgängig die gleichen Produkte von Erwachsenen und Kindern unter Sweatshop-Bedingungen hergestellt. Diese Produkte werden durch giftige Farbstoffe, Heizdämpfe und unzureichendes Licht beeinträchtigt.
Die gegenwärtige Ära mag anders verlaufen, aber die wirtschaftlichen und ökologischen Entwicklungsprobleme bei der Massenproduktion von Verbraucherkleidung bestehen immer noch.
Jeder farbcodierte Teil der zweiten Galerie basiert auf den Gehirnzielen der ersten Galerie. Auf der Website des Museums heißt es, dass die ersten beiden Teile traditionell mit verschiedenen Aspekten der Weiblichkeit verbunden sind. Rot steht für „Liebe, Leidenschaft und Hingabe“, während Weiß und Blassrosa die „reife Zeremonie – von der Geburt bis zur Heirat“ und den „Verlust der Jungfräulichkeit und des Todes“ symbolisieren.
In einer Branche, die traditionell Frauen als Hauptkonsumenten betrachtet, deren Oberschicht jedoch von weißen Männern dominiert wird, ist die Darstellung von Weiblichkeit faszinierend. Das Museum hat sich entschieden, das Werk von Ninomiya Noir Kei Ninomiya neu zu erwerben, dessen kunstvolle Kleidung mit einer Vielzahl von Blumen verglichen wurde und dem Dialog eine neue Perspektive verleiht. Das lasergeschnittene Ninomiya-Material wird à la Mad Max aufwendig an das Kunstlederband gehängt und sorgt für eine kühne und sexy Note. Auf der Website des Museums heißt es: „Lehnen Sie alle zerbrechlichen Konzepte ab, die mit Blumen oder Frauen in Verbindung stehen könnten“.
Der rote Teil nahm auch an einer anderen Art von gesellschaftspolitischen Kommentaren teil, darunter ein Prabal Gurung-Kleid mit Gürtel und fragte: „Wer wird Amerikaner?“ Von seiner Modenschau im Frühjahr 2020. Wenn man bedenkt, dass Gurung die Herausforderung angenommen hat, bevor das Thema „In Amerika“ 2021 der Met Gala angekündigt wurde, erscheint es fair, dass seine Arbeit auf dem roten Teppich erschien und derzeit in der Ausstellung „In“ im Anna Wintour Costume Center zu sehen ist. . Vereinigte Staaten: Modewörterbuch. ”
Der schwarze Teil mischt auf interessante Weise klassische Eleganz und köstliches Gothic-Ensemble, während der gemischte Teil den Fokus der Ausstellung auf Gender bekräftigt, indem er Rosen in männlicher Mode und neutralem Design zeigt.
Der New Yorker unabhängige Designer Neil Grotzinger zeigte Arbeiten, die seine Ablehnung von toxischer Männlichkeit und erotischer Subversion, der Verwendung von weiblichem Codematerial und dem bewussten politischen Einsatz von Transparenz zeigten. Auf der Website des Museums heißt es, dass seine Sammlung „die Konzepte von Männlichkeit, Queerness, Macht und Sexiness erforscht“.
Geschlechterrollen rühmen sich wie künstliche Rosen der Illusion der Natur und verbergen die Anstrengung und den Zweck hinter ihrer Konstruktion und Wartung. Da jedoch die Rechte gewöhnlicher Transgender- und Nicht-Gender-Menschen weiterhin angegriffen werden, ist das plötzliche Interesse der Mainstream-Mode für Hermaphroditen letztendlich eine rückschrittliche, „seltsame“ voyeuristische Faszination oder ein Zeichen von Träumen. Beachten Sie, dass eine ausgegrenzte Person sicher und glücklich ausdrücken kann, dass sich ihre Welt der Realität nähert.
Dank der Teilnahme von drei versierten Modehistorikern nahm „Intoxicating: The Rose in Fashion“ schließlich eine akademische Modebewertung an: MFIT-Direktorin und Chefkuratorin Valerie Steel und London School of Fashion Professorin Amy de Co-Kuratorin von la Haye und Coron Hill, Kurator des MFIT. Begleitet wird die Live-Ausstellung von einem virtuellen Seminar am 30. April. Es besteht aus fünf Vorträgen, die auf dem YouTube-Kanal des MFIT zu sehen sind, und einem gleichnamigen Buch von de la Haye, erschienen bei Yale University Press.
New Yorker sollten sich die Gelegenheit nicht nehmen, Zeuge zu werden, insbesondere Baruch-Studenten, das MFIT ist nur 15 Gehminuten vom Campus entfernt.


Postzeit: 13. Oktober 2021

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